Cecilia Grüner
Nació en 1985 en la Ciudad de Buenos Aires. Es Licenciada en Artes (UNSAM), bailarina, actriz y docente. Su quehacer profesional integra prácticas de experimentación, creación e interpretación escénica; enseñanza; gestión y producción cooperativa en el trabajo artístico. Sus campos de estudio e investigación teórica están asociados a estos universos. Actualmente coordina la plataforma Periférica (territorio de creación), que cobija el trabajo de diversos artistas y lenguajes; y continúa su formación como investigadora en artes en la Maestría en Prácticas Artísticas Contemporáneas (UNSAM).

Ana Laura Lopez
Nació en 1981 en Lomas de Zamora. Es Licenciada en Ciencias de la Comunicación (UBA), actriz, directora teatral, productora cultural y escritora. Coordina talleres de escritura, en los que combina reflexión teórica y estímulos lúdicos, desde una perspectiva crítica. También, lleva adelante el ciclo de lectura itinerante LA POESÍA NO ES UN LUJO. Fue distinguida por la Biblioteca Nacional, por su novela LA MANADA, publicada por editorial Zona Borde (2015). También ha publicado ¡ARDE! (poesía), por Pulpa Editora (2025). Actualmente, se encuentra cursando la Carrera de Especialización en Procesos de Lectura y Escritura (UBA).

En 1985, la escritora norteamericana Ursula K. Le Guin escribió “La teoría de la bolsa de la ficción”, un ensayo literario en el que analiza el modo en el que construimos relatos, siempre articulados en torno a la figura de un héroe y a la idea de conflicto. No sólo los relatos de ficción, sino también los históricos, científicos y sociales, con todas las implicancias políticas que esto tiene en nuestras vidas. Y postuló la urgencia de darnos otra forma de narrar: la de una bolsa contenedora de múltiples elementos, múltiples sentidos sin jerarquías ni afán de dominación.

40 años después, dos actrices, interpeladas por la lectura de este ensayo, se preguntan cómo sería poner en escena un texto teórico, reproduciéndolo tal cual. Y lo hacen valiéndose de un gran número de recursos poéticos, de una bolsa de lenguajes, una obra que busca estimular la imaginación política frente al evidente colapso de las viejas formas de contar y habitar el mundo.

Texto: Úrsula Le Guin
Dramaturgia: Cecilia Grüner y Ana Laura López
Intérpretes: Cecilia Grüner y Ana Laura López
Asistencia técnica y de dirección: Flopa Lestani
Visuales: Renzo Rodríguez y Lo que puede un cuerpo
Dirección: Cecilia Grüner y Ana Laura López
Producción: Lo que puede un cuerpo
Acompaña: Editorial Rara Avis

Artista, curadora y gestora cultural argentino-brasileña, especializada en danza, con una amplia y sólida trayectoria en creación escénica, programación artística y gestión de proyectos culturales a nivel nacional e internacional. Su trabajo se centra en el fomento, desarrollo y visibilización de la danza, abordando la creación de contenidos desde una perspectiva situada y comprometida con las realidades y voces latinoamericanas, con un fuerte vínculo de colaboración con agentes culturales de la región.

Es fundadora y coordinadora de La Infinita, agencia dedicada a la curaduría, gestión, mediación e internacionalización de proyectos escénicos. Es jurado nacional del Instituto Nacional del Teatro -INT.  Coordina el Encuentro de vinculación internacional Gesto Expandido, y lidera la plataforma RADAR.

Es una conferencia performática concebida por Jimena García Blaya a partir de su trayectoria como artista, gestora y curadora escénica. Y, de una investigación sobre las danzas y las artes vivas en Latinoamérica, entendida no sólo como geografía sino como una perspectiva crítica desde la cual les artistas han desarrollado formas micropolíticas de creación, producción y vínculo. Basada en un archivo vivo —cuadernos, notas, grabaciones, intercambios y experiencias compartidas—, la obra cruza el discurso reflexivo y la poética del cuerpo en escena, activando una memoria colectiva y experimental. Cuerpo ETC. es el resultado de un proceso curatorial que se ofrece como un ensayo escénico sobre los modos de hacer, las subjetividades, los saberes compartidos, los imaginarios sobre movimiento y sobre futuros posibles e imposibles.

Creación e interpretación: Jimena García Blaya
Asistencia de dirección: Guada Cichello
Diseño escenotécnico: Jonatan Kluk / Jimena García Blaya
Colaboración artística: Iván Haidar – Soledad Perez Tranmar – Javier Melgarejo
Gestión y producción: La Infinita / Plataforma RADAR

El Momento Kiki propone una aproximación a la cultura ballroom desde su historia y sus genealogías de resistencia, nacidas al calor de las comunidades LGBTIQNB+, afro y latinas. Pero también se pregunta qué sucede cuando esos códigos viajan, cambian de territorio y son atravesados por otras memorias políticas.

En este Momento Kiki, las categorías —face, runway y otras formas centrales de la cultura ballroom— se encuentran con las palabras, consignas y luchas de Taty Almeida y las Madres de Plaza de Mayo. La pasarela se vuelve plaza; caminar, posar, mirar y ser miradx se cargan con una memoria situada. ¿Cómo se camina una consigna? ¿Cómo se hace face frente al poder? ¿Qué memorias aparecen cuando un cuerpo toma la pasarela como espacio de presencia, orgullo y resistencia?

Laurent Tropikalia Labeija y Fiordi Bakeneko Labeija propondrán primero una introducción a la historia y los códigos de ballroom para luego abrir un espacio de experimentación con algunas de sus categorías. No se trata solamente de aprender herramientas para una pasarela: se trata de ensayar modos de ocupar el espacio, sostener la mirada, aparecer, reconocerse y hacerse lugar.

Este Momento Kiki pone así en contacto genealogías de lucha que nacieron en territorios y momentos diferentes, pero que aprendieron algo en común: que frente a las violencias que buscan borrar cuerpos, identidades e historias, reunirse, hacerse visibles y construir comunidad también son formas de insistir.

Fiordi Bakeneko Labeija
Fiordi es una de las personas más históricas de la escena ballroom de Buenos Aires y de Argentina. Es Licenciada en Trabajo Social (UBA) y Curadura de Artes Plásticas (IUNA). Luego de finalizada sus carreras inició estudios de posgrado en la Maestría en Política y Estudios de Género de la UNTREF. Allí se recibió de Magister con su tesis sobre Cultura Ballroom “sexualidad y poder en la Escena de Buenos Aires”. Actualmente sigue su investigación dentro del campo de la performance y el cuerpo en la Cultura Ballroom. Su primer libro “”No es tu espectáculo es nuestra disidencia”” editado por la editorial Puntos Suspensivos editorial fue lanzado en el año 2025.

Fiordi además es Madre de La Kiki House of Bakeneko y Madre del Capitulo Argentino de Royal House of Labeija, casa que fundó la cultura a nivel internacional.

Laurent Tropikalia Labeija
Artivista trans No Binaria, sirena de Mar de ajó con experiencia en tango y folclore hoy danzas deconstruidas y resignificadas en su ser.

Del mar a la gran ciudad se cruzó con la Cultura ballroom en el 2018 para convertirse en madre fundadora de una de las casas pioneras de la escena en el 2019 y actualmente tener una familia elegida de 15 integrantes House of Tropikália.

Junto a ella y también con otras grupalidades participaron en variedad de eventos y festivales culturales como Ciudanza, nosotras movemos al mundo, prodanza y Mecenazgo.  Compartiendo energía travesti en lugares históricos como Fundación PROA, Centro Cultural Kirchner, Museo Malba, Casa Patria GRande, Tecnópolis, Centro Cultural Haroldo Conti y Centro Cultural Paco Urondo.

Los cuerpos empiezan a existir a velocidades artificiales y desconocen aburridos el tiempo de la materia
multiplican las imágenes
pidiendo ser mirados
y suspendidos en la paradoja
ya nadie es capaz de ver nada
a una velocidad todavía mayor se disuelve aquello que nombramos como humanidad
vértigo
nos miramos en la imagen del abismo y no hay interioridad que el abismo pueda mirar en nosotres
cómo haremos ver?

El Grupo de Experimentación en Artes del Movimiento se creó en 2010 en el ámbito del Departamento de Artes del Movimiento de la UNA, integrado por estudiantes y con un carácter experimental y formativo. Se propone generar dispositivos de experimentación escénica que aborden tanto la constitución de una obra como la reflexión estética y metodológica en el marco de la creación contemporánea, con su diversidad de espacios escénicos, performáticos, y el desafío de diferentes contextos socioculturales.

Dirección: Jazmín Titiunik
Diseño sonoro: Nicolas Jalfen
Performance: (GEAM + estudiantes invitadas) Renata Barca, Aldana Fuentes, María José Barber, Lupe Colino, Fiorella Casali, Rosario Gasparini, Florencia Giménez, Yésica Cozzarín Venialgo, Juana Caravario

GRUPO DE EXPERIMENTACIÓN EN ARTES DEL MOVIMIENTO
Dirección: Valeria Martínez
Asistencia: María Romero, Daniela Billordo

UNIVERSIDAD NACIONAL DE LAS ARTES
Rectora: Sandra Torlucci
Vicerrectora: Diana L. Piazza

DEPARTAMENTO DE ARTES DEL MOVIMIENTO
Decana Directora: María Martha Gigena
Secretaria Académica: Patricia Dorin
Secretaría de Extensión y Bienestar Estudiantil: Laura Paolino
Secretario de Investigación y Posgrado: Marcelo Isse Moyano
Secretario Administrativo: Leonardo Martins Gallego
Coordinadora de Producción Artística Institucional: Victoria Keriluk

David, el marrón, se enamora de Juan en el baño de un museo de la Ciudad de Buenos Aires. Entre esculturas europeas, obras de arte argentino y mingitorios, se miran, se besan, se prometen matrimonio. David, el de Miguel Ángel, tan gélido él, es primero testigo involuntario de ese amor para luego ser, por qué no, su verdugo.

La obra cuenta las vicisitudes y el trágico desenlace de un extraño triángulo amoroso interracial —el de Juan, el rubio; David, el marrón y David, el de mármol—, mientras cuestiona las nociones de belleza, bondad y pureza históricamente otorgadas a la blanquitud.

El David Marrón intenta que, en un mismo tiempo y espacio, emerja alguna síntesis posible de la confrontación entre una historia de amor singular y distintas reflexiones sobre obras canónicas del “arte nacional”, mientras lleva a cabo un objetivo: profanar la escultura del David, de Miguel Ángel.

Con poca sofisticación, humor y bastante vulgaridad, la obra busca dar cuenta de su intención más genuina: engrosar las expresiones de un arte antirracista.

La obra es para mayores de 18 años, contiene desnudo al final del espectáculo y lenguaje para adultos.

Es Licenciado en Actuación (UNA), Diplomado en Dramaturgia (UBA), Posgrado Especialista en Arteterapia (UNA) y Profesor de Biología (UTN). En 2018 escribe su primera obra antirracista “Olvidados en la Orilla” en la Residencia de Creación de la Universidad Nacional de las Artes. Sus obras “25 Inviernos” y “Las del Sur” participaron de la Fiesta Nacional del Teatro 2019 y 2021. Su monólogo “Marrón” obtuvo el Premio del Público y Mejor Monólogo NOA en el Festival Vos&Voz, y su obra “Blizzard” fue seleccionada en el concurso Nuestro Teatro del Teatro Nacional Cervantes.

Integra el colectivo antirracista Identidad Marrón. Su cortometraje #ArgentinaNoEsBlanca participó del concurso #TikTokShortFilm Cannes 2022, alcanzando más de 10 millones de visualizaciones en redes sociales, y resultó ganador de la Maratón Audiovisual SAGAI.

El David Marrón es una obra de búsqueda identitaria a través de un amor interracial en Argentina.

Dramaturgia: David Gudiño
Actúan: David Gudiño
Vestuario: Rodrigo González Garillo
Escenografía: Norberto Laino
Iluminación: Matías Sendón
Estilismo: Lima De Souza
Fotografía: Alejandra Lopez
Diseño gráfico: Martín Gorricho
Asistencia de dirección: Gabino Torlaschi
Prensa: Prensópolis
Producción: Sebastián Romero
Realización: Maite Corona, Walter D. Lamas
Dirección: Laura Fernández

¿Cómo se organizan nuestros cuerpos en el barrio? ¿Qué hay más allá? ¿Qué espacios habitaré en el futuro? A modo de GPSs humanos señalamos lo conocido y lo imaginario, nuestro presente y muchos futuros.

La obra es un viaje en el espacio y el tiempo, recorre momentos de nuestro territorio/barrio y territorio/emocional. Se organiza como un mapa interactivo humano que invita a situarnos y compartir nuestras formas de ver y preguntarnos por el mundo y los futuros. Conceptualmente busca poner en cuestión los binomios perderse/encontrarse, pregunta/respuesta, concreto/abstracto, individual/colectivo.

Es una compañía de arte adolescente coordinada por un equipo multidisciplinario de artistas y técnicos de diferentes campos del saber. Desde 2019 desarrolla un programa de Arte en Territorio en el Barrio Cildañez orientado a fortalecer los derechos culturales de su comunidad.

Dramaturgia: Paula Baró, Virginia Leanza, Marcela Padvalskis
Actúan: Luciano Arias Martinez, Sol Bustos, Israel Flores Carpio, Aldana Jiménez, Alejandro Peñaranda Chinche, Candela Quiroz, Ramiro Salvatierra
Montaje De Video: Leandro Listorti
Música: Joan Leanza
Arte: Paula Baró, Virginia Leanza, Marcela Padvalskis, Julieta Potenze, Julieta Potenze
Asistencia de dirección: José Guerrero
Colaboración artística: José Guerrero
Dirección: Virginia Leanza, Marcela Padvalskis

Agradecimientos: Judith, Matías De Padova, La Escuela Nº8 Reino De Tailandia, Paloma Lipovetzky, Pierpaolo Olcese, Pato Saad, Nicolas Spadavecchia, Franco Vega Valiente

Artista interdisciplinar cuyo trabajo se desarrolla en una variedad de medios y roles en los campos de la danza experimental, la performance, el arte sonoro y el video.

Licenciada en Actuación por la Universidad Nacional de las Artes (UNA). Diplomada en cine por el programa de Cine de la Universidad Torcuato Di Tella. Durante el 2026 cursa el programa de actualización en Tecnologías en el arte contemporáneo de la Facultad de Filosofía y letras de la Universidad de Buenos Aires (UBA).

Gestora cultural y curadora. Trabaja en diversas instituciones del ámbito público y privado en la ciudad de Buenos Aires. Actualmente trabaja en el área de cultura de la Fundación Andreani. Coordinó el proyecto de creación y programación del Área de Danza del Centro Cultural de la Memoria Haroldo Conti- Ex ESMA- dependiente del Ministerio de Justicia de la Nación (Secretaría de Derechos Humanos) hasta el año 2022. Forma parte del equipo de dirección artística del ciclo de artes vivas El Asunto de lo Remoto.

Performance video-sonora de gran escala que surge de una experiencia íntima y concreta: los procedimientos de requisa a los que la directora fue expuesta durante varios años al visitar a su padre preso en un penal de la Patagonia argentina. Estas rutinas de revisación física constituyen el punto de partida para una investigación coreográfica de la imagen.

La pieza se pregunta ¿Qué tensiones coreográficas emergen de estas prácticas de control?

Triggear remite al concepto de “disparador”: un mecanismo que inicia una acción. En la música electrónica, un trigger es un dispositivo que transforma una acción física en una señal eléctrica que activa un sonido. Esta noción se convierte en el eje conceptual y operativo de la obra.

Diseño sonoro y música en vivo: Guillermina Etkin – Miguel Masllorens