Este laboratorio propone un espacio de exploración donde el movimiento y las prácticas performativas funcionan como herramientas para la investigación sensible del propio cuerpo, su potencia expresiva y sus posibles devenires o transformaciones. Se entiende el devenir como un territorio de cruce, simultaneidad y mutación, un espacio dinámico donde las identidades se desplazan y se reconfiguran, habilitando nuevas posibilidades de existencia y expresión.

A través de distintos dispositivos de trabajo, indagaremos en la posibilidad de descubrir, habilitar y desarrollar múltiples versiones o devenires de nosotrxs mismxs. El foco estará puesto en abrir zonas de percepción, desarmar hábitos corporales y activar nuevas formas de presencia, en un cruce entre lo físico, lo fantástico, el delirio y lo “real”.

Trabajaremos también con algunos materiales que funcionarán como disparadores para producir corrimientos y deslizamientos respecto de nuestra forma habitual de movernos, percibirnos y presentarnos (ej: máscaras). Estos elementos permitirán tensionar la propia imagen y propiciar un “arrastre” de la personalidad hacia otros territorios posibles. A través de la transformación de la imagen y de las sensaciones que estos materiales despiertan, buscaremos habilitar nuevos estados, presencias, expresividades, tensiones y formas de vincularnos con el entorno.

Entre estos materiales, la máscara aparece como un dispositivo clave: al borrar o reconfigurar el rostro y su expresividad habitual, se abre la posibilidad de dar lugar a otras formas de expresión que emergen desde el cuerpo, desde el sentir. Surgen así impulsos más intuitivos, animales y sensibles, que desplazan el centro de la comunicación hacia otros registros más periféricos y potentes a la vez. Reconfigurar el rostro se vuelve entonces una vía para visibilizar otras capas, fantasías y devenires, facilitando un corrimiento de la identidad conocida y habilitando el acceso a nuevas profundidades, zonas liminales y lenguajes.

El laboratorio invita a transitar un proceso donde cada participante pueda expandir sus modos de estar, moverse y accionar, explorando identidades en constante transformación. No se trata de llegar a una forma definida, sino de habilitar estados, desplazamientos y posibilidades que emergen de las contradicciones del hacer.

Una propuesta orientada para quienes deseen investigar el cuerpo como potencia y territorio vivo desde un abordaje experimental y descentralizado. El laboratorio se configura como un espacio de investigación que invita a entrar en contacto con las memorias que habitan los cuerpos, así como a habilitar las fugas que permitan re-situar, transformar y trazar nuevas narrativas sobre nosotrxs mismxs.

Artista de performance e investigadora de movimiento. Fundadora y directora artística de Nos en Vera, espacio de investigación en artes y prácticas performativas (CABA).

Es Licenciada en Pedagogía por la Universidad do Vale do Itajaí (UNIVALI) en Florianópolis, Brasil, donde residió durante cinco años y desarrolló proyectos socioeducativos de danza y performance en comunidades periféricas.

Su recorrido por la danza contemporánea y la performance la llevó a estudiar y trabajar en Berlín, Viena, San Pablo, Río de Janeiro, Ciudad de México y Buenos Aires, donde participó en programas de formación y residencias artísticas en espacios y programas como Tanzfabrik y Ponderosa (Berlín), DanceWEB y Atlas en ImpulsTanz Festival (Viena), El Entresuelo (Ciudad de México) y Casa Farofa (San Pablo). Sus trabajos se exhibieron en festivales y espacios internacionales, incluyendo el Museo de Arte Contemporáneo de Buenos Aires (MACBA) en el ciclo Montes no Visibles y diversas plataformas y festivales en Corea del Sur, España, Brasil, Alemania y Argentina.

Este laboratorio propone abordar una ópera intensiva, expandida y situada en un espacio de memoria, reimaginando un dispositivo de presencia sonora y física. Nos situamos en la intersección del Minimalismo y las prácticas de Deep Listening (Escucha Profunda) de Pauline Oliveros, entendiendo que en la repetición y en la atención extrema reside una forma de memoria profunda. La insistencia de la memoria no solo propone una nueva forma de escuchar, sino de vivir a través del sonido.

Ejes de trabajo

Minimalismo como Insistencia: Recuperamos la estética minimalista para transformarla en una herramienta ética. La repetición de una práctica rítmica o un habitar coreográfico permite encontrar la transformación desde la permanencia. Es el movimiento que, al insistir, agujerea el silencio y se vuelve presencia. Es la marcha que no cesa, el pulso que sostiene lo que no debe olvidarse.

Deep Listening como Acto Político: Aplicamos la escucha profunda para sintonizar con las capas invisibles de la Casa Nuestros Hijos. Escuchar no solo lo que suena, sino el espacio, el tiempo y los cuerpos que nos precedieron. El laboratorio entrena el cuerpo para ser una “antena” que percibe el eco de lo que aún vibra en las paredes, transformando esa percepción en una acción coreográfica colectiva.

La Ópera de los Cuerpos en Movimiento: La pieza se construye desde el “estímulo mínimo”: un suspiro, un roce, un paso al unísono. Al expandir estos mínimos mediante la escucha colectiva, generamos una masa sonora coral que habita el espacio de manera experiencial.

Voz Resonante: El uso de la voz como extensión del movimiento, buscando frecuencias que entren en vínculo con la arquitectura del lugar.

Director escénico, coreógrafo, docente universitario y gestor cultural. Licenciado en Dirección Escénica (UNA) y maestrando en Ópera Experimental (UNTREF). Becario del Posgrado Internacional en Políticas Culturales de Base Comunitaria (IberCultura Viva, FLACSO 2026). Su trabajo explora las zonas de contacto entre la performance, la danza contemporánea y la ópera experimental. En su práctica, busca desbordar los límites de lo escénico para encontrar en el movimiento colectivo una forma de conocimiento sensible y una herramienta de transformación social. Se inscribe en el campo de las prácticas artísticas contemporáneas y es director fundador del Colectivo Ciudades Poéticas y del Proyecto Concierto Público.

Las clases se articulan sobre dos ejes principales; el entrenamiento físico y perceptivo, y la improvisación e investigación del movimiento concibiendo  al cuerpo como un sistema con fuerza, potencia, reacción, flexibilidad, resistencia, conciencia y mucha sensibilidad. Propongo generar sostén muscular para poder luego desplegar y activar los tejidos y la estructura, poder disociar las diferentes partes del sistema como asimismo comprender globalmente su movilidad y conexiones. Ejercicios dispuestos a generar la apertura sensible de la mirada, los afectos, la piel, lo sonoro, lo táctil. Preparar el cuerpo perceptivo como habilitación para abrir la improvisación e investigación y los infinitos modos de moverse.

Pienso los encuentros como prácticas, como un hacer con el cuerpo, siempre colectivo. Bailar con la energía necesaria a la escucha de la información sensible, visible e invisible, apostando siempre a la experimentación. Indagar en qué puede un cuerpo, el cuerpo de cada persona en particular y qué podemos juntxs.

La danza como un modo particular y específico de conocimiento sobre el mundo. Modos personales de moverse con consignas que funcionan como vertebradoras del trabajo compartido. La clase como laboratorio al servicio de cómo esa información se genera, se mueve y nos hace mover.

Artista en danza y performance; actriz y Licenciada en Artes (FFyL-UBA).  Aborda su trabajo focalizándose en el cuerpo,  sus prácticas  y sus relaciones con diferentes formatos y materialidades; considerándolo un sistema expansivo y  transformador. Piensa la coreografía del cuerpo y los objetos como una fuente inagotable de producción de sentido para pensar sensiblemente lo que nos rodea y poder imaginar y  concretar otros modos de movernos y relacionarnos. Le interesan  los cruces entre teoría y práctica, y las colaboraciones con otrxs artistas. Se  involucra en procesos de investigación y creación escénica en distintos soportes y disciplinas, indagando en el teatro, el cine, la performance, el video, la escritura. Desde hace más de 15 años guía clases de entrenamiento físico e improvisación en danza. Actualmente desarrolla  creaciones colectivas junto a Alina Marinelli, Bárbara Hang, Mariana Montepagano y Natali Faloni. Algunos de sus últimos trabajos con ellas fueron Maniobra Temporal, La gravedad del encuentro, #Mar: una conferencia nómada, Para todo lo que se mueve el tiempo pasa más despacio. Realizó  Palíndroma junto a William Prociuk , y Mi papá, tu papá, tu hija y la mía juntos Leticia Mazur entre otros trabajos.

Centrado en la activación de fragmentos, voces, imágenes y recuerdos que insisten: aquello que permanece, vuelve y puede convertirse en punto de partida para la escritura.

El trabajo se orienta a poner estos elementos en relación: qué se arma, qué se sostiene, qué se transforma cuando entran en escena. A partir de ejercicios concretos, se ensayarán modos de escribir desde lo disponible y cercano, atendiendo a lo que cada unx trae y a lo que se produce en el encuentro.

Un espacio de práctica para probar, insistir y compartir ese proceso con otrxs.

Teatro Tesoro es una compañía y plataforma dedicada a la creación, formación e investigación en artes escénicas, coordinada por Lucía Collini y Eliana Murgia. Un espacio en movimiento donde se desarrollan acciones, se presentan obras y se comparten talleres abiertos a la comunidad. Juntas, conciben la práctica artística como un campo expandido donde mixturar lenguajes y articular deseos. Desarrollan su trabajo entre Madrid y Buenos Aires.

Eliana Murgia es dramaturga, actriz, directora, productora y docente. Ha participado en proyectos presentados en el Museo Reina Sofía, el Centro Párraga y el Festival SURGE Madrid, entre otros. Entre sus creaciones se destacan Cumbia y a la cama y Liquidación Total!, esta última estrenada en Buenos Aires y actualmente en cartel en su tercera temporada, con un sostenido reconocimiento de la crítica y el público.

Un laboratorio de creación y edición colectiva, para una instalación de un archivo de discursos e imágenes en el espacio de enigmas, dudas y un abordaje a lo desconocido, entre cuerpos, fotos, memorias y archivos. 

Se invita a que cada participante pueda traer un conjunto de imágenes para sumar a la recolección del taller.

Programa general: ¿Qué es un archivo? Discursos. Imagen y subjetivación. Fotografía, sombra y luz, oralidad y escritura. Opacidad y enigma. Producir y reproducir: ¿dos regímenes diferentes? Fetiches, amuletos y otros usos privados y atávico de la imagen y el más-allá.

Es artista investigadora y Lic. en Letras (UBA). Trabaja con fotografías, dibujos, poemas e instalaciones para indagar en los desplazamientos de imágenes, textos, cuerpos, archivos y bibliotecas y sus modos de influirse entre sí.

El laboratorio propone un retorno a lo simple; cantar y bailar como espacio común. Desde nuestras investigaciones y partiendo de prácticas somáticas y vocales, nos acercaremos a la relación entre cantar y bailar como una forma de estar, encontrarnos, investigarnos y escucharnos. Nos entusiasma una práctica donde cantar sea con bailar, y bailar con cantar.

Jessica Pinkus
Es docente, psicoanalista e investigadora. Su práctica e investigación transita la delicada intersección entre voz, cuerpo, palabra, subjetividad y espacio escénico. En sus propuestas de práctica vocal, ha conformado un espacio de escucha orientado a investigar la infinita trama de cada quien, dando origen al concepto “cuerpovocal”. Como psicoanalista se pregunta por el alcance y los límites de la palabra, e investiga al cuerpo y la voz como enlace posible entre lo nombrable y lo innombrable.

Eugenia Estévez
Bailarina, investigadora, coreógrafa, docente y pedagoga certificada del Método Feldenkrais. Su investigación y práctica en danza indagan las relaciones entre atención, percepción, pensamiento, creación y la dramaturgia del movimiento-moviente. Desde esta perspectiva, la danza se piensa como un campo en el que el movimiento excede al sujeto y despliega una dimensión más-que-humana. En su trabajo, el movimiento se piensa como un no-cuerpo vivo, que va creando su propia dramaturgia. Dicta seminarios y ha presentado sus obras en reconocidas instituciones y festivales de Argentina, América y Europa.

Es un dispositivo de imágenes, una performance, una pieza audiovisual acerca de la gestualidad presente en las movilizaciones sociales ocurridas en América Latina durante los últimos años.
Un trabajo que persiste en señalar, a través de la representación, las tensiones y mecánicas que operan sobre los cuerpos cuando estos protestan.
Un cuerpo en el marco de una manifestación es el soporte de una ideología.
Ese cuerpo vibrante, amalgamado con otros, en esa escena, es traspasado y modificado por fuerzas: históricas, simbólicas, represivas. La acción es observar las
fuerzas que intervienen. La operación performática es vaciar la escena real, despojarla, quitar a las personas del contexto, los elementos, quedarse con el hueso: el gesto puro.
Entonces aparece el vacío, haciéndose presente la ausencia en el espacio de la representación.
Se devela así un instante capaz de irradiar una abismal carga emotiva. Ese momento visibiliza la tensión social como una energía contenida en una caja de resonancia.¿Será posible que la presencia y el movimiento de un cuerpo en escena puedan revelar maneras novedosas de concebir lo político?
EL LABORATORIO pondrá a disposición el material fotográfico y de video de INSTRUMENTO PARA ESTRELLAR para luego juntxs crear nuevas instancias del procedimiento escénico.

Diana Szeinblum
Bailarina y coreógrafa.  Realiza sus estudios en la Folkwang Tanz Schule(Alemania) donde luego integra como bailarina la compañía FTS con dirección artística de Pina Bausch. Como coreógrafa, transita la performance y las artes escénicas con obras como Secreto y Malibú (2000), 34metros(2004), Alaska (2007), Una cosa por vez (2013), Sansón(2015), Mi contundente situación(2016), Adentro!(2016), Instrumento para estrellar(2018), Sistema 0(2021), Obra del demonio(2022). Es invitada por el Centro de Experimentación del Teatro Colón(CETC) y el Teatro Argentino de La Plata(TACEC) , Teatro La Rivera (CTBA), Teatro Nacional Cervantes entre otros .Monta obras para la  Compañías del Teatro San Martín (Buenos Aires, 2003), Luna Negra Dance Company (Chicago, 2011),Grupo Tumakat (México, 2012), Compañía Nacional (2014). Hace trabajos performáticos para Art Basel Cities, Museo de Arte Moderno( MAMBA), Festival, Montevideo (FIDEBA) , Bienal de Performance 2015 de Buenos Aires (BP15),  Fondo Nacional de las Artes, Museo Faena, Museo de Arte Contemporaneo de Chicago, Walker art Center Minneapolis entre otros .Sus obras han sido invitadas a festivales y teatros de América, Europa y Asia. Ha recibido apoyo y subsidios nacionales e internacionales, recibió premios como el Trinidad Guevara, National Performance Network, Teatro del Mundo(UBA) y Premio Coca Cola como interprete . Ha publicado ensayos en libros como ¨El tiempo es lo unico que tenemos¨(Caja Negra), ¨Los textos de la Danza¨(2(DA) en papel), El Idioma de la danza(Excursiones). Imparte Clínica de obra para artistas y  seminarios de investigación y experimentación coreográfica.

Licenciada en Ciencias de la Comunicación (UBA), fotógrafa y editora. Trabaja como editora fotográfica desde hace 25 años en medios gráficos, libros y publicaciones. Es editora de fotografía de la revista Crisis y colabora regularmente con los contenidos fotográficos del CELS. Forma parte del equipo docente del Programa de Actualización en Fotografía y Ciencias Sociales, (Facultad de Ciencias Sociales, UBA). Realizó la curaduría de las muestras fotográficas Desvío, de Rodrigo Abd para Arthaus, CASA, La vivienda es un derecho para el CELS, 100 años de Evita y Lunahur 50 años para La Universidad Nacional de Hurlingham (Unahur). Dirigió las obras Otoño del otro lado y Pulso. Es co-autora , junto a Diana Szeinblum, del proyecto Instrumento para estrellar, y del libro Tinta y rabia.

El Territorio de la Memoria

Los Terreiros de Candomblé son templos de matriz africana reconocidos como espacios sagrados de resistencia, preservación cultural y comunidad. Nacieron como territorios de libertad frente a la deshumanización y el sometimiento de las personas esclavizadas, estableciendo una red de cuidado y dignidad que nos habitan. 

Este proyecto se inscribe en la 10ª edición de Doce Veinticuatro, que este año se realiza íntegramente junto a Madres de Plaza de Mayo – Línea Fundadora en la Casa Nuestros Hijos, la Vida y la Esperanza. Bajo el lema “”El Movimiento que Insiste””, buscamos entrelazar  un puente entre dos genealogías de lucha: la ancestralidad africana y la memoria de las Madres. Ambas convergen en la premisa de que el cuerpo y la cultura son los espacios fundamentales de soberanía, donde la vida se afirma y se recrea de manera inquebrantable.

“TERREIROS”

Territorios de resistencias

Espacios sagrados de matriz africana, los terreiros de Candomblé nacen como espacios de resistencia y un refugio de preservación cultural. En su ellos reside la fuerza de quienes enfrentaron la deshumanización, transformando el territorio en un lazo comunitario inquebrantable.

Te invitamos a habitar este espacio a través del movimiento: un recorrido por las danzas del pueblo negro, donde la identidad se construye y celebra desde la herencia ancestral.

Maia Mazzarella

Bailarina, coreógrafa y docente de danzas de matriz afro, con experiencia en compañías y obras en Argentina y en el exterior. Trabaja desde un enfoque de empoderamiento femenino, diversidad sexual y derechos humanos. Se desempeña como docente en Casa Insúa, Open Gallo y Flora Espacio. Cuenta con formación en danzas de matriz africana y danza contemporánea en Argentina, Brasil y Austria. Desarrolla su práctica a través de la creatividad, la improvisación, la coreografía y la gestión de festivales artísticos.

Cecilia Benavidez
Docente, bailarina, acunada en las danzas de Matriz Afro y en los abrazos de lxs maestrxs en los caminos en Bs As., Uruguay, Cuba y Brasil. Artista en construcción , andamiada en las experiencias grupales de Oduduwa y La Chilinga. Guiada fuertemente en el sentir, el pensar y el accionar que son parte de una misma cosa. Formo parte del grupo Iyamba , propició los espacios para la creación de los grupos Imales, Santo y Pagano y sus facetas.

Con el axe de los Orixas y la memoria de donde creció, ha sabido conquistar batallas y aprender de las que ha perdido. Bajo esas protecciones y el apodo de “ la negra” ha atravesado espacios bailando con las espadas de Ogum en la calles embanderadas por la Memoria , la Verdad y la Justicia e “Iyeyas” en rondas dentro de algunas cárceles Federales. Anclada en el convencimiento que la herencia afrodescendiente la anida, camina y baila en las escuelas públicas intentando despertar y entramar memorias.

La siguen acompañando muchas preguntas de quién es y de lo que hizo, pero una certeza. Que las memorias arden en el presente de los cuerpos y que lo colectivo es la posibilidad de transitar lo incierto.

El taller será un espacio para acercarnos a una percepción fantástica del cuerpo a través de ejercicios que exploran los modos de percibirnos y de estar con lxs otrxs.

​Esta actividad forma parte de la investigación  Bardo sensorial sobre accesibilidad y artes escénicas. La propuesta está dirigida a personas sordas y oyentes, con o sin experiencia previa en danza, y contará con interpretación en LSA.

Coordinan el taller: Victoria Castelvetri y Milva Leonardi. Asesoría en accesibilidad: Brenda Carlini. Intérprete LSA. 

Es un grupo de experimentación escénica que trabaja en el cruce entre danza, teatro, performance y artes audiovisuales. Sus obras son: Éxtasis y Demonios, La Verdadera Historia de Corina Wilson, Osculum Infame, Mandíbulah y Bardo. Componen a partir de prácticas colectivas que entraman el conflicto, la emoción, el fracaso y la imaginación. 

Participaron en festivales nacionales e internacionales como la Bienal de Arte Joven, El Cruce, FIBA, BAFICI y Citymoves Aberdeen (Escocia), y colaboran con artistas de distintas disciplinas.

Este taller propone, de manera muy artesanal, un intento de operación política sobre la atención; específicamente sobre cómo se comporta nuestra atención durante un proceso creativo. Trabajaremos sobre un ejercicio muy concreto que pondrá al grupo en relación con la inmediatez de una tarea en tiempo real. 

¿Cómo se organiza un grupo frente a una tarea específica? ¿Y si esa tarea es el encuentro mismo? ¿Y si conlleva más tiempo la organización del grupo que la tarea misma? ¿Qué dificultades aparecen cuando el tiempo no alcanza?

Ante una época que nos expone a la inmediatez como sinónimo de efectividad y donde nuestra atención navega dispersa en un flujo digital frenético, este ejercicio funciona como una operación de rescate, del mismo modo que cualquier manualidad o artesanía que nos enfrente a los tiempos mesurados de nuestros procesos.

El objetivo es delinear una cartografía dramática colectiva que traduzca esta experiencia en un recurso técnico. 

Dirigido a toda persona vinculada a la dramaturgia, dirección o actuación.

Es dramaturgx y directorx. En dramaturgia se formó con referentes del Royal Court Theatre de Londres como: Ella Hickson, Simon Longman, Simon Stephens y Matías Feldman. Participó en masterclasses de teatro documental y creación multidisciplinar con Stephan Kaegi, Mohamed ElKhatib y Rimini Protokoll en residencias internacionales. Obtuvo las becas, Creador.ES (Valencia), Director’s Lab/ Lincoln Center (New York), Fundación Williams, Beca Nueva Ópera del Teatro Mayor de Bogotá, Casa de América, Madrid, Fondo Nacional de las Artes y fue seleccionadx por la Bienal de Arte Joven de Buenos Aires como artista residente para el Obrador Internacional de Dramaturgia en la Sala Beckett (Barcelona). Sus obras fueron estrenadas en Argentina, España, Colombia, Portugal, Cuba, Brasil, Panamá, México y Chile. Su obra Oveja fue premiada como mejor dramaturgia por la Bienal de Arte Joven de Buenos Aires y recibió el Premio Godot como mejor obra de la temporada 2024 (Madrid). Dirigió y realizó la adaptación cinematográfica de la ópera La voix humaine de Jean Cocteau estrenada en el Teatro Mayor de Bogotá en co-producción con la Orquesta Filarmónica de Bogotá y el British Council durante la temporada 2021. Es docente de Motín experimental, espacio de creación multidisciplinar dentro del Pabellón de Disidencias de la Unidad Penitenciaria nº 1 de Lisandro Olmos. Es parte de Nélida underground, colectivo artístico multidisciplinar de la ciudad de La Plata, Buenos Aires.

El proyecto Kiki Ballroom tiene como objetivo la experiencia de las personas concurrentes a una aproximación a la cultura ballroom a través de su historia enlazada a la comunidad lgbtiqnb+, la comunidad afro y latina. Esto será a través de un taller introductorio, seguido de dos categorías centrales en la comunidad ballroom como son face y runway, de manera tal que las personas puedan vivencial y adquirir herramientas no solo para la pasarela, sino para el día a día.

Fiordi Labeija
Fiordi es una de las personas más históricas de la escena ballroom de Buenos Aires y de Argentina. Es Licenciada en Trabajo Social (UBA) y Curadura de Artes Plásticas (IUNA). Luego de finalizada sus carreras inició estudios de posgrado en la Maestría en Política y Estudios de Género de la UNTREF. Allí se recibió de Magister con su tesis sobre Cultura Ballroom “sexualidad y poder en la Escena de Buenos Aires”. Actualmente sigue su investigación dentro del campo de la performance y el cuerpo en la Cultura Ballroom. Su primer libro “”No es tu espectáculo es nuestra disidencia”” editado por la editorial Puntos Suspensivos editorial fue lanzado en el año 2025.

Fiordi además es Madre de La Kiki House of Bakeneko y Madre del Capitulo Argentino de Royal House of Labeija, casa que fundó la cultura a nivel internacional.

Laurent Tropikalia
Artivista trans No Binaria, sirena de Mar de ajó con experiencia en tango y folclore hoy danzas deconstruidas y resignificadas en su ser.

Del mar a la gran ciudad se cruzó con la Cultura ballroom en el 2018 para convertirse en madre fundadora de una de las casas pioneras de la escena en el 2019 y actualmente tener una familia elegida de 15 integrantes House of Tropikália.

Junto a ella y también con otras grupalidades participaron en variedad de eventos y festivales culturales como Ciudanza, nosotras movemos al mundo, prodanza y Mecenazgo.  Compartiendo energía travesti en lugares históricos como Fundación PROA, Centro Cultural Kirchner, Museo Malba, Casa Patria GRande, Tecnópolis, Centro Cultural Haroldo Conti y Centro Cultural Paco Urondo. 

Es un encuentro imaginado en un afuera.  Una combinación de retiro, enchastre de prácticas, aventura logística, carnaval afectivo.

NEEELI,  grupalidad mutante y satélital, se reune  en torno a la idea de una convivencia extracotidiana, para tironear de los  vínculos afectivos, de las incidencias de estos sobre los procesos creativos y de la experiencia del tiempo compartido en un contexto inusual.

¿cuáles son los posibles, imposibles e inesperados enlazamientos  entre nuestros afectos, las prácticas artísticas y creativas del movimiento que llevamos adelante y de las fuerzas de un entorno?  

Para llevar a cabo este laboratorio experimental convocamos a dúos intuitivos, colectivos ya conformados, grupalidades en proceso, reuniones afectivas, triejas artísticas, matrimonios por un día, amistades incipientes,  etc,  que desees trabajar acerca de prácticas cruzadas de contagio de manera situada compartiendo modos de ensayo, pruebas, escrituras, materiales visuales y audiovisuales, nuevas prácticas y materiales escénicos incompatibles, con la intención de finalizar el día de laboratorio con una apertura a público/convite de lo experimentado.  

¿Será que este laboratorio consiste en imaginarlo como sinónimo de inventarlo? ¿Inventarlo como sinónimo de imaginarlo ?

Todo está ahí flotando de manera intermitente, y más que una forma o definición concreta aparece en nuestra práctica de manera fantasmática, desdibujada, impredecible, un modo de mirar, de entrar en las cosas y excitar unos con otro esos conocimientos profundos sobre la danza,  la afectividad  y el tiempo.

Nos posicionamos haciendo un corrimiento para hablar de otra cosa:  hablar de cómo se llega y como se sale de algo, de como se escapan y se pierden cosas, de cómo se inventan formas de vida alrededor de los procesos creativos, de cómo se materializa lo impensado en los procesos de creación e investigación.

Desde la grupalidad que venimos construyendo hace muchos años de manera dinámica y satelital salen líneas hacia el pasado y hacia el futuro como una sedimentación de los procesos por los que hemos transitado, y a su vez englobamos nuestro trabajo en una masa sin forma y chorreante desde la cual arribamos hoy a plantear una metodología de trabajo compositivo e investigativa: la idea/imagen/sensación del enchastre como la posibilidad de hacer una torcedura sobre nuestra propia práctica artística. Nos  acercamos a esta idea como una pata metodológica de la investigación planteando el enchastre como una posible metodología a investigar, el enchastre como un procedimiento compositivo, el enchastre como un gesto ético y afectivo, el enchastre porque nos interesa ensuciarnos juntes.

Compartiremos las siguientes preguntas como líneas de trabajo: ¿Qué escenas, escenarios, constelaciones, temporalidades nos permiten pensar y detectar el enchastre como herramienta creativa, como disparador poético, como modo de vinculación afectiva?¿Cómo podría describirse esa metodología? ¿cómo devenir sismógrafos de los gestos, paradojas y preguntas de lo que se nos agrietan cada vez que nos enchastramos escénicamente?¿dónde se encuentra el poder higiénico de nuestras maneras de hacer danza? ¿Es el poder higiénico de nuestras prácticas lo que nos impide enchastrar ciertos territorios? ¿Puede el enchastre como método desorientar sentidos y habilitar nuevos? ¿cual es el cuerpo que nos des- hacemos  en este tráfico de membranas por donde pasan cosas del orden de la materialidad de las sensaciones, los conceptos, la intimidad, la práctica y el tiempo?  Planteamos las siguientes preguntas como líneas de trabajo: ¿Qué escenas, escenarios, constelaciones, temporalidades nos permiten pensar y detectar el enchastre como herramienta creativa, como disparador poético, como modo de vinculación afectiva?¿Cómo podría describirse esa metodología? ¿cómo devenir sismógrafos de los gestos, paradojas y preguntas de lo que se nos agrietan cada vez que nos enchastramos escénicamente?¿dónde se encuentra el poder higiénico de nuestras maneras de hacer danza? ¿Es el poder higiénico de nuestras prácticas lo que nos impide enchastrar ciertos territorios? ¿Puede el enchastre como método desorientar sentidos y habilitar nuevos? ¿cual es el cuerpo que nos des- hacemos  en este tráfico de membranas por donde pasan cosas del orden de la materialidad de las sensaciones, los conceptos, la intimidad, la práctica y el tiempo?

Es una plataforma de creación abierta y móvil con base en Buenos Aires que piensa los procesos artísticos como heterogéneos enmarañados con una dimensión afectiva desde el año 2017. Trabaja de manera colaborativa en formatos performaticos, escénicos y de investigación, a través de dinámicas colectivas, satélitales y colaborativas haciendo foco en el intercambio de roles, tráfico de ideas, la experimentación y el entrecruzamiento de posiciones inventivas. Las últimas creaciones de NEEELI son: No esperaba encontrarte entre los invitados (2017), En La victoria de lo incompatible (2021), MÁKIN4S DE ROMP3R (2022), De qué viven ( 2024), Horizonte Tartamudo (2025).

Mariana La Torre (DIRECTORA)

Es artista escénica, que se mueve entre las prácticas del cuerpo, la educación, la performance, la escritura y la agitación cuerpo. Es egresada de la UNA (Lic Coreográfica), se formó en teatro, performance, danza y teoría del arte. Se encuentra finalizando la Maestría en Prácticas Artísticas Contemporáneas en la UNSAM. Desarrolla su trabajo como bailarina, investigadora y creadora en sus propios proyectos y en colaboración creativa con artistas de diferentes campos. Participó como intérprete y asistente de dirección en proyectos escénicos desde el año 2002. Entre sus proyectos se encuentran: Piyama Party (2014) , ¿Por qué no me llevaste a mí? (2016), No esperaba encontrarte entre los invitados (2017), El último día que importa (2020), La victoria de lo incompatible (2021), De que viven (2024). Realizó la formación intensiva de entrenamiento físico experimental para el performer SMASH en Berlín, Alemania. Fué seleccionada para realizar el Programa de formación de dirección y creación escénica en el Espacio Escuela del Teatro Argentino de la Plata. En conjunto con Manuela Piqué conforma NEEELl, un espacio de creación abierta, satelital  y móvil con quien trabaja de manera colaborativa en formatos performativos, escénicos y de investigación. Se desempeña como docente de entrenamiento expresivo en la Especialización de teatro y de Artes visuales del Instituto Vocacional del Arte (IVA). Actualmente coordina el equipo de intervenciones artísticas de la Dirección General de Escuela Abierta a la comunidad del Ministerio de Educación de CABA.